人々が音楽業界について考えるとき、真っ先に思い浮かべるのはレコードレーベルです。UniversalやSonyやWarnerでさえ、一般大衆からは「レコードレーベル」と見なされています——たとえそのビジネスモデルが「録音会社」の範囲をはるかに超えていても。逆に、音楽業界全体とレコーディング業界をイコールで結ぶことも珍しくありません——が、それは全く正確ではありません。したがって、話を始める前に、同じ認識を共有しておきましょう。
音楽業界とレコーディング業界の違いとは？
音楽業界は非常に広い概念です。ストリーミングサービス、シンクライセンス会社、アーティストマネージャー、ブッキングマネージャーやイベントプロモーター——これらすべての人と会社が音楽業界の一部です。それが私たちのMechanicsシリーズを連載している目的です：これらの相互に絡み合いながらも独立した要素がどのように結びついているかを示し、音楽業界が実際にどのように機能しているかを——サブセットごとに説明することです。\nレコーディング業界は、音楽の製作（録音）とその後のプロモーションおよびディストリビューションを専門的に扱う音楽業界のサブセクションです。レコードレーベルは音楽業界の重要なステークホルダーであり、アメリカではRecording Industry Association of America（RIAA）によって代表されています。
それを踏まえた上で、本題に入りましょう：
録音の簡単な歴史
20世紀初頭、楽譜出版社が音楽業界を牛耳っていました。ハウスコンサートは中産階級のエンターテインメントの中心でした——米国だけで製造されたピアノの数は年間平均約30万台に達していました（2017年は3.1万台）。しかし1920年代には蓄音機（ブランドによってはグラモフォンやグラフォフォン）が広く普及し、1921年の米国蓄音機市場の総売上は1億600万ドル（現在の価値で約15億ドル）、1億4,000万枚以上のレコードが販売されました。最初のレコードレーベル、主要蓄音機メーカー（Columbia)、Victor、Edison）の部門として、費用のかかるレコード制作、製造、配送に資金を提供するレコードメーカーとして業界での地位を確立しました。
わずか10年後、大恐慌の絶頂期には、収益は600万ドル（現在の価値で約1億1,700万ドル）にまで縮小しました。無料でしかも音質も良い新しい音楽メディアであるラジオの誕生が、蓄音機の魅力を減少させました。1930年代には、米国のすべての主要録音プレイヤーがラジオ企業に買収されました：RCAは1929年にVictorを買収してRCA Recordsを設立し、CBSは1939年にColumbia Recordsを買収しました。1931年にはVictorとColumbiaのヨーロッパ関連会社が合併してEMIを形成しました。
ビニール、カセットテープ、CD、Napsterとデジタル海賊版、ダウンロード購入サービス、そして最終的にストリーミングへと時代は進みました。長年にわたり、技術の進歩が業界のランドスケープの変化を引き起こし、新しいメディアやハードウェアのメーカーがレコードビジネスに参入しました。録音、オーディオメディア、レコードプレイヤーは、経済理論で補完財と呼ばれるものです。Victorは蓄音機を売るためにレコードを作り、蓄音機が増えるほど対応する録音への需要が高まりました。後にRCAはVictorを買収し、ラジオ電波を満たすレコードを作ることで、それによってラジオ受信機の販売を促進し、ラジオのオーディエンスを拡大し、新しいヒット曲への需要を高めました。
同じ原則が現代にも引き継がれています。iPodがあれほどの大成功を収めなかったとしたら、AppleはiTunesをローンチしたでしょうか？ハードウェア（または21世紀の言葉ではソフトウェア）メーカー、ディストリビューションチャネル、レコーディング側の相乗効果が常にレコードミュージックチェーンの垂直統合につながっています。この伝統の痕跡は今日のレコード会社とストリーミングサービスの関係にも見ることができます。フランク・オーシャンがBlond?をリリースしたのを覚えていますか？2016年、彼はビジュアルアルバムEndlessをDef JamとUniversalへの契約義務を果たすために提出し、翌日にApple Music独占で自身のレーベルから「本物のアルバム」をリリースしました。その後まもなく、Universalはストリーミング独占契約を廃止すると発表しましたが、これら2つの出来事が関連しているかどうかはまだ明確ではありません。しかし、レコーディングチェーン内の緊張は明らかです。
レコーディング業界の構造
レコード業界は音楽ビジネスのどの部分よりも技術によって方向付けられています。スタジオからレコードを最終顧客に届けるプロセスは、かつては長く費用のかかるものでした。今では、アルバムはラップトップで制作でき、ストリーミングによるデジタルディストリビューションは限界費用ゼロです——レコーディングチェーンの構造自体が根本的に変化しました。
フィジカルディストリビューションの時代には、比較的単純でした。メジャーレーベルがレコーディングとマーケティングを行い、メーカーが物理的なメディアを製造し、ディストリビューターがロジスティクスを担当し、レコード店が最終消費者に向き合っていました。デジタル環境がそのシステムをひっくり返しました。今では、顧客はYouTubeのような広告主導の動画プラットフォームから、Pandoraのカスタマイズ可能なデジタルラジオ、サブスクリプションベースのストリーミングサービスまで、あらゆる形やサイズのデジタルサービスプロバイダーを通じて音楽を入手します。レコーディングアーティストはレーベルと契約し、レーベルはDSPから録音ロイヤルティを徴収するディストリビューターと連携します。しかし、このチェーンのほぼすべてのステップを完全にバイパスできます。
アーティストはSoundcloud、Bandcamp、そして最近ではSpotifyでさえ直接音楽をリリースしたり、「ディストリビューションのみ」の契約を結んでデジタルプラットフォーム全体に音楽を置き——収益の大部分を自分たちのものにすることができます。それでも、レーベルは依然として業界の中心にあり、常に進化する市場の現実に適応し続けることでその地位を維持してきました。
アーティストがアルバムを録音してほぼコストゼロで世界中に公開できるとしても、リリースのプロモーションを資金援助するための「音楽銀行」がまだ必要です——それがレコーディング経済の仕組みです。この非常に重要なトピックについては、私たちのカスタムビルドの収益プロジェクションモデルを使ってレーベルとレコーディングアーティストがどのように収益を得るかを追跡し、リリースサイクルを詳細に分析した最新の記事で取り上げています。こちらをチェックして、一般的なレコーディング契約の種類の下でレコーディングドルが(実際に)どのように分割されるか、そしてこのバランスが音楽業界全体にどのような影響を与えるかをご覧ください。
レコーディング業界の機能
レコードビジネスには3つの主要な目標があります：
- 才能あるアーティストをスカウトする
- レコードを制作する：録音プロセスに資金を提供し、アーティストのサウンドとイメージを発展させる
- マーケティングキャンペーンを設計、実施、資金提供しながら、すべてのチャネルでアーティストとリリースをプロモーションする
- レコードを製造・配布する
最初の3つの目標はすべてのレコードレーベルの焦点ですが、長年にわたって3つの間の優先順位は変化してきました——後で詳しく説明します。4番目の機能、レコードの製造と販売は、ディストリビューターの仕事です。ただし、一部のレーベル（主にメジャー）はそのプロセスを内部化し、自ら配信することができます——これが実際、レコーディングの観点からメジャーとインディペンデントの主要な質的な区別の一つです。
1. 才能あるアーティストのスカウティング
ほぼすべてのレコード会社は何らかのアーティスト・アンド・レパートリー（A&R）部門を持っています。タレントハンティングに限られる場合もあれば、イメージからクリエイティブチームの構成まで、あらゆる面でアーティストと直接協力する場合もあります。A&Rはさまざまな形やサイズで存在しますが——主な目標は有望なアーティストを見つけてレーベルと契約させることです。
タレントスカウティングは、デジタルスペースが音楽業界を支配し、録音技術が制作プロセスを手頃にするにつれて大きく変化しました。かつて、レーベルは経験のない未証明のアーティストが成功したデビューを出すことに賭けなければならないタレントハンターでした。これは実際のリターンの保証なしに多大な録音投資を意味していましたが——最大のヒットの膨大なレコード販売がそのリスクを補っていました。
今日では、新進アーティストはレーベルの関与なしにデビュー作を録音します。最初のトラックやアルバムさえも寝室やガレージで録音されます。最初のファンベースはソーシャルメディアで構築され、ほとんどのA&Rの狩場となっています。かつてレーベルがレコードを作ったのに対し、今は見つけます——そして最初のレーベル契約は、アーティストが音楽を自ら録音・リリースした後に締結されます。\n契約上の観点から言えば、これはアーティスト契約からライセンシング契約へのシフトです。アーティスト契約の下では、レーベルはアーティストに前払いし、リリースサイクル全体に資金を提供して最終録音の永続的な著作権を所有します。一方、ライセンシング契約は、アーティストが既存のレコードをライセンスし、指定された期間（そして時には指定された地理的市場）のために著作権をレーベルに契約する際に締結されます。そのような契約は、レコード業界にとってリスクは低いがコストは高いシナリオです：一方では、レーベルは既存の（そしてある程度成功した）レコードを「購入」するために投資しなければなりませんが、代わりにクリエイティブステージのリスクが完全に回避されます。
制作総指揮とクリエイティブ・ディレクション
しかし、タレントを見つけることはA&Rの仕事の最初の部分に過ぎません。契約が完了すると、A&R担当者はアーティストと協力し続けます。制作面では、全体的なクリエイティブ・ディレクションに意見を提供し、クリエイティブチームの構築を助けます：自分で音楽を書かないアーティストのためにソングライターと楽曲を見つけ、ラッパーを「旬な」プロデューサーやビートメーカーに引き合わせるなどです。
アーティスト開発面では、A&Rはタレントのブランドマネージャーのようなものになります。アーティストはどんな写真撮影をすべきか、アルバムカバーはどのように見えるべきか、ミュージックビデオの美学は何か？A&Rはそのような質問への答えを見つける助けをし、アーティストのイメージとポジショニングを定義し、レーベルのプロモーションチームが実行する将来のマーケティング戦略の基礎を築きます。
マネジメントのメカニクスでも言及したように、通常マネージャーもアーティスト開発プロセスに深く関与しています。つまり、化学反応が機能するためにはアーティスト、A&R、マネージャーが一致している必要があります。ただし、これが常に当てはまるわけではありません——そのため、マネジメントとA&Rの間にどちらにでも転ぶ可能性のある権力闘争が起きることがしばしばあります。芸術的な方向性に関しては、A&Rは録音プロセスの管理に限定される場合もあれば、アーティストのキャリアを運営する場合もあります——A&Rの関与の程度は各アーティストに固有です。
2. レコードの制作
マスターレコードの制作は複雑なプロセスです。クリエイティブなプロセスは各アーティストによって固有です：ラップトップだけで録音する人もいれば、交響楽団、合唱団、何百もののミックス、複数のスタジオが必要な人もいます。アルバム制作のコストは0から無限の間の任意の値になりえます：ニルバーナのBleachは3日間600ドルの予算で録音されたことで有名で、一方ガンズ・アンド・ローゼズのChina Democracyは約1,300万ドルの費用がかかり、製作に13年以上かかりました。
しかし、外れ値を除けば、平均的な録音投資は長年にわたって確実に減少しています。1950年代の8トラックマシンの発明で、複数の音源を混合して最終録音を作成できるようになり、現代のデジタルオーディオワークステーションが本格的なレコーディングスタジオの機能を単一のラップトップに詰め込んでいます——技術が録音プロセスを最適化し、より安価で利用しやすくしました。
推定平均制作コストのタイムライン、1950年〜
これはレコードビジネスにおける大きな転換です。かつてはレーベルの支援がアーティストが音楽を録音するために必須でしたが、今では録音プロセスへの資金提供はレーベルのサービスの長いリストにある一項目に過ぎません。一部のアーティストはまだスタジオのレンタル、技術者、機材、セッションミュージシャンへの支払いが必要で、レーベルはそのプロセスを資金援助していますが——もはやビジネスの不可欠な部分ではありません。今日のレーベルの中で本格的なレコーディングスタジオを所有することは非常にまれですが、20世紀を通じてすべてのメジャーレーベルは何十人もの技術者を給与リストに載せていました。レコード業界は録音するためではなく、新進アーティストを見つけてキャリアを発展させオーディエンスを構築するための助けをするためにあります。
3. プロモーションとマーケティング
制作コストが大幅に削減されるにつれて、レーベルはレコードを作ることからプロモーションへと焦点をシフトさせるよう適応する必要がありました。レーベルのサービスの主要な部分は今やリリースのプロモーション、マーケティング、ディストリビューションであり、ライセンシング契約はそのシフトの示唆です。
プロモーションとマーケティングは最終目標を共有するという意味でコアは同じです。主な違いは、マーケティングがリーチとオーディエンスに直接お金を払うことを含むのに対し、プロモーション戦略は「無料」でメディアやファンにアーティストについて話してもらうことに関するものです。全体的に、プロモーションとマーケティング戦略はほぼビジネスとしていつものとおりです：シングルをリリースしてプレイリストオーナーやラジオプログラマーに初期再生のためのピッチングをし、音楽ジャーナリストにリリースをカバーするよう説得し、レコードが出たら——広告を買い、テレビやラジオへの出演を予約します。
レーベルはラジオ、テレビ、プレスからブログやオンラインアウトレットまで、従来型とデジタル両方のメディアとのコネクションを持っており、その意味では1960年代からあまり変わっていません。メディア空間はより多様化し全体的に平等化されましたが、ネットワーキングは依然として業界において重要な役割を果たしています。実生活と同様に、友人からの推薦は大きな意味を持ちます——ジャーナリストにとって、無名のアーティストからプレスリリースを受け取るのと、知っていて信頼しているPRマネージャーから受け取るのとは違います。
これらのコミュニケーション戦略はもちろんアーティストの規模によって異なりますが、基本的な原則は同じです。メディアは進化し、マーケティングチームが利用できる何百もの新しいチャネルとフォーマットが生まれました。しかし、レーベルの最終目標は依然として、より多くの人々にレコードについて話させ、聴かせ、購入させることです。
4. ディストリビューション
かつては、スタジオからリスナーの耳にオーディオを届けることは、下請け業者とパートナーのネットワークに依存した物理的な製造とロジスティクスの設定・最適化の複雑なプロセスでした。その後、デジタル時代が訪れ、古いシステムが時代遅れになり、ディストリビューションは突然はるかに安価になりました。今ではデジタルプラットフォームに音楽をアップロードするだけで——世界中のファンに即座に利用可能にできます。しかし、ディストリビューションは依然としてレコードビジネスで大きな役割を果たしています。
優良なディストリビューターはDSP全体で音楽を利用可能にするだけでなく、プラットフォームでの認知度も高めるべきです。音楽ディストリビューションについては別の記事でカバーしているので、この業界のサブセットがどのように機能するかについてもっと知りたい場合はそちらへどうぞ。
ディストリビューションのメカニクスへ
ライセンシングとシンク
レコードビジネスの最後の部分で、現時点では範囲外としておくことにしたものがあります：映画、ビデオゲームなどの他のクリエイティブ製品への録音の統合です。ストリーミングプラットフォームを通じたディストリビューションと同様に、コンテンツシンクは健全な収益源であるだけでなく、広大なプロモーションチャネルにもなりえます。単一の成功した統合の後にチャートを突き破ったアーティストは数十います。
シンクライセンシングは出版会社とレコーディング会社の両方、さらに独立したライセンシング担当者、音楽スーパーバイザー、プロダクション会社にも影響を与える業界のトリッキーなサブセットです。シンクライセンシングがどのように機能するかについてもっと知りたい場合は、シンクライセンシングのメカニクスをご覧ください。
