Como Funcionam as Licenças de Sincronização Musical: Dentro do Sync Licensing para Filmes, Publicidade e Videogames

De "Lust For Life" tocando na icônica cena de abertura de Trainspotting à "aquela música do comercial da Pepsi" que você não consegue tirar da cabeça — a música naturalmente encontra seu caminho em todos os outros tipos de conteúdo. Esta é a essência do sync, ou sync licensing ou simplesmente indústria de licenciamento. O setor costuma usar seus termos de forma livre, então, antes de realmente entrarmos na Mecânica do Sync, vamos definir os conceitos.

No papel, todo uso de música protegida por direitos autorais, seja reprodução, distribuição, execução pública ou sync, envolve licenciamento. Toda vez que você ouve música — a menos que seja alguém tocando na rua — provavelmente há um contrato de licenciamento por trás.

Os DSPs precisam negociar licenças musicais com gravadoras e editoras para permitir o streaming de música. As rádios terrestres precisam obter uma licença coletiva das Organizações de Direitos de Execução locais (ASCAP, BMI e SESAC nos EUA, PPL e PRS for Music no Reino Unido, etc.). O mesmo vale para canais de TV, clubes de música, restaurantes, lojas, e assim por diante — cada empresa que usa música em seu benefício precisa obter algum tipo de licença.

No entanto, as licenças mencionadas acima não são direcionadas a uma música específica, mas à música como um todo. Se você é uma rádio francesa, uma licença coletiva da SACEM permitirá que você transmita qualquer música que queira. O sync licensing é uma história completamente diferente.

O que é uma Licença de Sincronização?

Uma licença de sincronização, comumente abreviada como "sync", geralmente se refere a um acordo legal entre o titular dos direitos autorais de uma música e a parte que deseja usá-la, que permite a sincronização de música protegida por direitos autorais com qualquer outro tipo de conteúdo (principalmente conteúdo visual, embora certos tipos de uso de áudio também exijam licenças de sync). O licenciamento de sincronização pode ser subdividido em duas partes, cada uma alinhada a uma seção específica do direito autoral musical: sync licensing no lado da composição, e master use licensing no lado da gravação sonora — mas, por clareza, vamos tratá-los como uma única licença (por ora).

Portanto, por exemplo, se uma música é tocada no rádio durante a "hora musical" junto com uma dúzia de gravações diferentes, a licença de transmissão coletiva será suficiente. No entanto, se a equipe de produção de um talk show de rádio quiser usar uma música específica como tema de abertura do programa, precisará obter uma licença de sync. Nesse caso, os titulares dos direitos serão compensados duas vezes: primeiro, pela taxa de licença de sync e depois pelos royalties de execução pública.

O mesmo vale no sentido contrário — nem toda música que aparece na TV exige licença de sync. Por exemplo, se uma música foi tocada durante um evento televisionado ou espontaneamente apresentada durante um programa de TV ao vivo, os broadcasters pagarão apenas pela execução pública da música (coberta pela licença coletiva). Esse tipo de "sync" é chamado de Uso Efêmero — um conceito nascido nos primórdios da TV ao vivo para garantir que os produtores não sejam responsabilizados pelo "uso inesperado de música". No entanto, se o canal de TV decidir retransmitir esse programa ao vivo, precisará obter uma licença de sync, pois a música se tornará parte integrante do conteúdo pré-gravado. A distinção crucial entre uso de sync e não sync não é a mídia, mas o tipo e a intenção do uso.

Portanto, para evitar confusão, quando dizemos "licenciamento" neste artigo — queremos dizer sync licensing. Com isso esclarecido, vamos à mecânica do setor de licenciamento. Veja como funciona o negócio de (sync) licensing:

O Poder do Sync

No início deste ano, a IFPI reportou que o sync gerou US$ 0,4 bilhão em 2018, ou um pouco acima de 2% das receitas fonográficas totais. No entanto, a parte fonográfica é apenas uma fração da contribuição total do licenciamento. Primeiro, os direitos de sync precisam ser liberados tanto com os detentores dos direitos master quanto com os proprietários das composições (compositores/editoras). Portanto, as receitas diretas de sync são divididas aproximadamente 50/50 entre as cadeias de publishing e fonográfica — esses US$ 400 milhões no lado das gravadoras são apenas metade do total.

Segundo, devido ao efeito de dupla compensação que mencionamos brevemente acima, um placement de sync bem-sucedido também renderá aos titulares dos direitos royalties de execução pública. Imagine que sua música foi sincronizada em um anúncio que está sendo veiculado 100 vezes por dia em um canal de TV nacional — bem, os royalties de performance vão se acumular rapidamente. Portanto, a contribuição total dos contratos de sync para a indústria musical será muito maior do que os números da IFPI.
Além disso, o dinheiro vivo nem sempre é a principal razão por trás do contrato de sync. Claro, os contratos de sync podem render até US$1.000.000 de uma vez para artistas triple-A estabelecidos, mas na maioria dos casos, o efeito promocional do sync pode acabar sendo muito mais impactante do que qualquer ganho monetário imediato. Há centenas de carreiras que decolaram graças a um único sync de sucesso.

Todos temos algumas músicas memoráveis que descobrimos em uma sala de cinema, mas se isso não for suficiente, aqui estão algumas estatísticas rápidas para reforçar o ponto:

• "1234" de Feist subiu à 10ª posição no Billboard Hot 100 após o sync com o comercial do iPod Nano da Apple
• "Nightcall" de Kavinsky, apresentada no filme Drive, agora tem mais de 180 milhões de visualizações no YouTube
• "Jenny of Oldstones" de Florence + The Machine, gravação original para a trilha sonora de Game of Thrones, foi pesquisada no Shazam mais de 200.000 vezes em 24 horas após o episódio ir ao ar, tornando-se a música mais buscada no Shazam da história

Essencialmente, os contratos de sync podem se tornar uma espécie de semi-publicidade para os artistas — especialmente para as atrações menos conhecidas. As equipes de promoção investem vastos recursos para entrar numa playlist do Spotify e ser ouvido por 100.000 pessoas. O mesmo artista pode conseguir um contrato de sync para uma grande marca e acabar aproveitando a onda de dez milhões de dólares em investimento de mídia. Sua música será tocada quatro vezes por hora diante de um público da TV nacional em horário nobre, e ainda vão ganhar dinheiro com isso. Além disso, todas as pessoas daquele público poderão buscar a música no Shazam com um clique. Onde assino?

A Estrutura da Cadeia de Sync Licensing

Claro, nem todos os syncs se transformam em uma promoção frutífera para o artista — as estrelas precisam se alinhar de certa forma para que esse canal funcione. A música precisa chamar a atenção do público e não se perder no fundo, e, mais importante, o conteúdo sincronizado precisa se complementar. É algo que ambos os lados do contrato têm interesse, e quando o sync realmente se encaixa, todos saem satisfeitos. Então, vamos ver quem é responsável por fazer isso acontecer. Como de costume no negócio da música, o objetivo da indústria é conectar artistas e usuários finais — e você pode começar a construir essa ponte por qualquer um dos lados.

1. Usuários de Sync

Vamos começar pela demanda. A lista de potenciais usuários de sync não é tão longa — de forma geral, a grande maioria dos contratos de sync se enquadrará nas seguintes quatro categorias:

• Filmes (e trailers de filmes)
• Séries de TV
• Comerciais de TV/Rádio
• Videogames

Podemos potencialmente expandir essa lista adicionando criadores independentes de cinema e vídeo (ou seja, YouTube); slots de publicidade digital e assim por diante. No entanto, embora criadores independentes e pequenas empresas frequentemente precisem de música para acompanhar os visuais, raramente completarão um contrato de licenciamento completo. Em vez disso, a maioria dos "usuários de pequena escala" optará por soluções de banco de sons como o Soundstripe. Esse subconjunto é frequentemente chamado de "micro-licensing" e, embora possa ser uma fonte de receita sustentável para alguns artistas, não nos deteremos muito nisso — o contrato é bastante direto aqui.

Para contratos de sync clássicos 1:1, o processo é muito mais complicado. Essencialmente, qualquer equipe de produção tem dois critérios principais quando se trata de sync — seja uma cena de filme de 7 minutos, uma deixa de série de TV de 30 segundos ou 15 segundos de música de fundo em um comercial de TV.

Primeiro, a música que será o melhor encaixe possível para o conteúdo, amplificando o efeito geral, o humor e a ação do material final. De forma geral, o criativo por trás do conteúdo, seja a equipe criativa da agência de publicidade ou um diretor de cinema, definirá como o sync desejado deve soar. Esses briefings iniciais podem variar significativamente em termos de estrutura.

Em alguns casos, o tomador de decisão criativo usará música temporária como substituta, por exemplo, o diretor de cinema pode escolher uma música de Taylor Swift e passar adiante dizendo "me traga algo que soe assim". No entanto, conseguir uma música de Taylor Swift para seu filme/série/videogame/comercial vai custar uma fortuna. Esse é o segundo critério do contrato de sync — a licença precisa ser adquirida dentro do orçamento e do prazo.

2. Supervisores Musicais

É aqui que entram os supervisores musicais. Seu objetivo é garantir que os dois critérios sejam atendidos. Os supervisores musicais podem ser parte de uma produtora ou de uma agência independente, mas em qualquer caso, trabalham em estreita colaboração com a equipe criativa para transformar um briefing criativo não estruturado em consultas mais precisas. Os supervisores frequentemente buscam música usando termos como gênero, humor, era temporal, energia, ritmo, instrumentos utilizados, tipo de vocal, etc. — razão pela qual cuidar dos metadados para preencher essas tags é o primeiro passo para desbloquear as oportunidades de sync "passivas" do artista.

Os supervisores são os intermediários entre os usuários de sync e a indústria musical. Se trilhas sonoras originais forem necessárias, eles atuam como uma gravadora para o projeto da trilha: contratando compositores, agendando sessões de gravação, alugando estúdios e supervisionando o processo de gravação. Quando se trata de sync, os supervisores musicais são intermediários entre a produtora e os artistas (ou seus representantes). Nesse caso, os supervisores musicais são responsáveis por fornecer à produtora música com licença que (1) se encaixe no briefing criativo, (2) amplifique a ação/clima da cena e (3) atenda ao orçamento de sync.

Muitas vezes, os supervisores musicais acabam presos entre o briefing e o orçamento, com o diretor pedindo para licenciar uma música do Radiohead — "é central para a cena, precisa ser ela" — com um orçamento de sync de US$ 10.000 (o que é, claro, impossível). Essas restrições monetárias do lado do supervisor musical são o que torna o sync uma oportunidade de ouro para artistas independentes. Com o Radiohead fora da equação, a próxima melhor coisa seria encontrar uma música menos conhecida que ainda consiga capturar o humor e a emoção da cena.

Quero dizer: claro, alguns filmes blockbuster e videogames enfatizam muito a trilha sonora, tornando-a parte de sua marca, e acabam com milhões em orçamento de sync, como Suicide Squad ou a série Fifa. Da mesma forma, há anúncios que visam impulsionar a marca através da associação com artistas em alta. Essas são, no entanto, exceções — na maioria dos casos, o supervisor musical buscará artistas promissores para economizar dinheiro mantendo o impacto emocional geral.

Nesse sentido, o sync se torna um dos poucos canais de promoção na indústria musical que realmente favorece artistas em desenvolvimento em detrimento dos estabelecidos. Do lado negativo, porém, essa predisposição às coisas independentes torna o sync um cenário extremamente competitivo. Supervisores musicais proeminentes recebem centenas (quando não milhares) de pitches todos os dias, e para se destacar nessa multidão os artistas precisam de conexões e, na maioria das vezes, de um representante profissional no lado do licenciamento.

3. Empresas de Licenciamento e Representantes de Artistas

Entram as empresas de licenciamento musical. Como resultado da duplicidade do direito autoral musical, o licenciamento se torna um cenário diverso no lado do artista. Como você provavelmente sabe, toda música original tem dois conjuntos distintos de direitos: os direitos de gravação master (geralmente de propriedade do artista/gravadora) e os direitos de composição (de propriedade do compositor/editora). Isso significa que, para usar a música, os supervisores precisam liberar dois conjuntos separados de direitos:

• Licença de sincronização de um editor/compositor, permitindo explorar a composição original e a letra
• Licença de uso do master de uma gravadora/artista fonográfico, permitindo sincronizar a gravação sonora

Os supervisores musicais precisam lidar com as indústrias de publishing e fonográfica separadamente — mesmo se o artista fonográfico e o compositor forem a mesma pessoa. Por isso, a maioria das gravadoras e editoras estabelecidas tem algum tipo de departamento de licenciamento, processando solicitações de licenciamento recebidas e entrando em contato proativamente com os supervisores musicais.

A duplicidade dos direitos musicais também abre caminho para que os supervisores musicais aliviem parte dos custos de sync usando versões cover em vez das gravações originais. Como os anúncios da Apple parecem ser um tema recorrente deste artigo, aqui está o anúncio do Apple Watch, com uma versão cover de "Walk of Life" do Dire Straits por Bhi Bhiman.

Claro, os detalhes exatos do contrato nunca são divulgados, mas nosso palpite é que a música foi gravada especificamente para o anúncio. Portanto, a Apple (ou, melhor dizendo, a agência por trás do anúncio) obteve apenas a licença de sincronização com a editora do Dire Straits, aliviando os custos da licença de uso do master. Por essas razões, os covers — seja explicitamente gravados para a trilha sonora ou não — tornaram-se uma prática de sync amplamente difundida.

No entanto, as empresas de licenciamento não se limitam aos departamentos de licenciamento das editoras e gravadoras. Na verdade, elas vêm em todos os formatos — desde empresas independentes de pitching como TAXI e Audiosocket, que prestam serviços a artistas independentes e editoras/gravadoras menores, até agências de sync proeminentes como A&G Group e Hidden Track Music, internalizando essencialmente todas as partes da cadeia de licenciamento para construir um caminho direto dos artistas aos usuários finais. No meio você tem todos os tipos de agências de supervisão musical prestando serviços a produtoras, agências de consultoria de sync para publicidade trabalhando pelo lado da marca — e assim por diante. O panorama do sync é tão diverso quanto possível, embora haja apenas alguns papéis centrais.

De forma geral, a expertise do representante de licenciamento repousa em dois pilares: a rede de supervisores musicais da empresa e o conhecimento do catálogo que representa. Dado o volume de conteúdo produzido hoje, quase todo artista (e quase toda música) tem uma oportunidade de sync por aí. Tudo se resume a fazer o match entre a música certa e a oportunidade certa.

Contratos de Representação de Licenciamento

No lado contratual, existem várias opções disponíveis para o artista.

Se sua gravadora/editora tiver um departamento de licenciamento interno, os serviços de representação de sync geralmente estão incluídos no pacote inicial de gravação/publishing. Se a gravadora não tiver uma equipe de licenciamento dedicada, normalmente subcontratará uma agência de licenciamento independente. Nesse caso, a gravadora compartilhará sua parte da taxa de licença de sync — a parcela do artista permanece intacta.

Artistas independentes (ou aqueles que possuem 100% dos direitos autorais de seu master) geralmente contornam a gravadora e trabalham diretamente com representantes ou agências de sync.

Quanto à compensação financeira, os representantes de licenciamento tradicionalmente ficam com uma parcela das potenciais receitas de sync. Essa taxa do agente varia dependendo do escopo do artista e das potenciais oportunidades de sync, podendo ir de 20% a 65% do valor futuro do sync.

O outro ponto a considerar ao assinar o contrato de representação de licenciamento é a exclusividade. A maioria dos representantes de sync pedirá direitos exclusivos de representação da música do artista durante a vigência do contrato. Esses contratos são uma faca de dois gumes. Por um lado, a exclusividade deve garantir a posição do agente como único representante do catálogo do artista e motivá-lo a fazer o pitch. Por outro, um representante exclusivo pode potencialmente perder o interesse no artista — o que significa que a música ficará apenas na prateleira durante a vigência do contrato.

4. O Artista

Do lado do artista, o sync raramente é considerado a parte central da carreira musical. Na maioria das vezes, as oportunidades de sync não guiam as decisões artísticas. No entanto, existe uma porcentagem de artistas que fazem do sync seu principal ganha-pão, escrevendo músicas com olho em potenciais contratos. Então, vamos usar o exemplo deles e revisar alguns dos fatores que tornam certos artistas mais "syncáveis" do que outros.

Primeiro, é sobre a própria música. O panorama do sync é muito diverso, deixando espaço para todos os tipos de música — mas ainda assim existem alguns tipos de músicas que receberão mais propostas do que outras, em média.

Dê uma olhada nos anúncios, por exemplo. Claro, há algum espaço para experimentação em syncs de anúncios e spots digitais criativos, especialmente para anúncios digitais não limitados a slots de 30 segundos na TV. No entanto, 95% dos syncs de anúncios são ou animados e enérgicos ou calmos e tocantes — e, mais importante, abraçados pelo público em geral. É óbvio que se você é uma banda de punk hardcore cuspindo hinos anticonsumistas, suas opções em ad-sync são bastante limitadas. Embora haja uma exceção para cada regra.

O mesmo vale para syncs em séries de TV e filmes. Afinal, a música precisa se encaixar na narrativa do filme, que tende a seguir uma estrutura particular, seja a Jornada do Herói ou algo mais elaborado (não vou mentir, não sou especialista em teorias narrativas). Ainda assim — os roteiros de filmes têm temas comuns, e a música é frequentemente usada para amplificar as emoções das cenas que se encaixam nessa estrutura.

É por isso que o estilo de composição do tipo "início de uma jornada" aberto a interpretações pode acabar tendo mais demanda. Estudar os fundamentos da escrita de roteiros é talvez o melhor ponto de partida para artistas que querem se concentrar em sync para filmes. A abordagem do artista à composição pode às vezes influenciar enormemente a "syncabilidade" — quero dizer, é claro que "Peach Scone" do Hobo Johnson (apesar de ser uma grande música), é praticamente impossível de sincronizar.

Esses são os quatro papéis centrais do sync licensing, mas, não me entenda mal, nem todo contrato segue essa estrutura. Essencialmente, o objetivo da cadeia de licenciamento é fazer o match entre a música e o conteúdo. Um diretor de cinema pode entrar em contato diretamente com aquela banda indie que acha que vai ser perfeita para uma cena. Da mesma forma, os artistas podem seguir seu espírito DIY e entrar em contato com supervisores musicais contornando o representante de licenciamento — muitos artistas que se concentram em sync acabam fazendo o pitch eles mesmos. A indústria musical não é de forma alguma uma estrutura rígida, e um contrato de sync pode às vezes contornar completamente toda a cadeia de licenciamento.

No entanto, qualquer que seja o caminho, a proposta de sync eventualmente encontrará seu destino. O que vem a seguir é a negociação do contrato de licenciamento.

O Contrato de Sync Licensing

Quando a proposta de sync é apresentada, há dois fatores principais que o lado do artista considerará: os ganhos totais (incluindo o valor total do licenciamento, bem como os royalties de longa cauda de execução pública) e o potencial promocional geral do sync.

O primeiro é bastante direto: dependendo do escopo do artista e da extensão do uso da música (entraremos nisso um pouco mais tarde), artistas e compositores receberão compensações financeiras. No fim, cabe aos artistas e suas equipes colocar um preço na licença — o que também significa que a taxa dependerá em grande parte do efeito promocional do sync. De certa forma, essas duas partes do contrato de licenciamento estão em relação inversa: quanto maior o poder promocional do sync, menores serão as taxas de licenciamento — e vice-versa.

Portanto, quando um artista em desenvolvimento tem a oportunidade de entrar na trilha sonora de um filme de sucesso, a taxa de licenciamento tende a cair. Por outro lado, se é um artista estabelecido cedendo sua música para um anúncio de uma marca — especialmente uma marca que não se alinha exatamente com os valores do artista — a taxa vai às alturas.

No fim das contas, todo o processo de negociação pode ser resumido em "quanto mais o artista quer fazer um sync, menor é a taxa." Parece fácil, certo?

No entanto, há outro aspecto a considerar: o escopo de uso. Em termos legais, é uma combinação de três componentes:

• Prazo da Licença, ou a duração do contrato
• Território/Mercado da Licença, determinando a quais mercados e territórios a licença se aplicará
• Natureza do Uso, referindo-se à forma como a música será sincronizada.

O escopo de uso é um reflexo de quanto o licenciado precisa da música. Portanto, quanto mais amplo for, maior será o poder de barganha do artista. O prazo e o território da licença são bastante autoexplicativos, mas vamos explorar a "Natureza do Uso" com mais detalhes.

A natureza do uso define os limites do potencial sync, em termos gerais como "fundo", "destaque", "tema", "créditos finais", etc. De certa forma, a natureza do uso determina a importância da música para o conteúdo final. Tome o uso de destaque como exemplo — o que significa que a música desempenhará um papel fundamental na determinação das emoções e do humor da cena. Obviamente, esse tipo de sync será mais valioso para a produtora do que a música de fundo ou nos créditos finais. Portanto, mais uma vez, o poder de barganha do artista sobe — e a taxa de licença tende a acompanhar.

Essa é a essência de como funciona o setor de licenciamento. No entanto, antes de concluirmos este artigo, vamos percorrer algumas das tendências e fenômenos mais notáveis nesse espaço, que ditarão o futuro do sync.

Oportunidades do Sync em Videogames

Há um aspecto do panorama de sync que deixamos deliberadamente fora do escopo do artigo até agora — as trilhas sonoras de videogames. Só nos EUA, as vendas diretas de videogames geraram impressionantes US$ 35,8 bilhões em 2018. Isso é 1,8 vez o tamanho de toda a indústria musical dos EUA, incluindo shows, fonográfico e publishing. Ao mesmo tempo, isso é apenas uma fração do total — espera-se que a indústria global de videogames ultrapasse os US$ 150 bilhões em 2019. Para comparação, a indústria cinematográfica global vale apenas US$ 136 bilhões. A música é parte integrante de 95% dos videogames — e os desenvolvedores de jogos definitivamente têm orçamento para sync.

Agora, dê uma olhada nisto:

De certa forma, esse é o "line-up" do único maior festival de hip-hop do mundo — aquele em que o XXXTENTACION aparece em letra pequena. Essa é a trilha sonora de um novo título da série de basquete NBA 2K, e, a julgar pelas vendas do anterior, provavelmente será ouvida por cerca de 10 milhões de pessoas. Tem mais: após o lançamento do line-up da trilha sonora, a editora 2K Sports anunciou um concurso aberto em parceria com a UnitedMasters, convidando artistas a enviar suas músicas para ter a chance de aparecer na trilha sonora final.

Agora, isso é o que chamamos de oportunidade de transformar uma carreira. Se você é um artista proeminente de hip-hop, quer entrar nessa trilha sonora; e se você é um artista promissor — cara, essa participação vai mudar sua vida. Deixando de lado o fato de que você dividirá um palco digital com os maiores nomes do mercado, o efeito promocional dessa aparição é difícil de exagerar.

Por que os syncs de anúncios funcionam tão bem para a promoção musical? Repetição. O público vai ouvir os 30 segundos de trecho de uma música cinco vezes por dia, e isso é extremamente poderoso. Bem, nesse sentido, as trilhas sonoras de videogames são ainda melhores. O jogador médio passará mais de 10 horas com a música do artista tocando no fundo, e não serão apenas 30 segundos — será a música completa. De certa forma, as trilhas sonoras de videogames são como playlists dedicadas que às vezes têm públicos três vezes maiores que o New Music Friday.

Veja como Steve Schnur, presidente de música da EA Games, o estúdio por trás da série Fifa, coloca:

"Sabíamos que os videogames poderiam se tornar o que a MTV e o rádio comercial haviam sido nos anos 80 e 90. Qualquer música no Fifa 19 — seja uma nova faixa de um artista estabelecido ou a estreia de um artista desconhecido — será ouvida ao redor do mundo quase 1 bilhão de vezes. Claramente, nenhum meio na história da música gravada pode oferecer uma exposição global tão massiva e instantânea."

Você pode achar que isso é uma coisa relativamente nova, mas os videogames impactaram enormemente o gosto musical há décadas. Claro, agora os games parecem estar no zeitgeist do negócio da música, com todas as notícias de colaborações com Fortnite — mas o fenômeno existia desde o início dos anos 2000.

Em 2001, GTA III foi o primeiro jogo da série a introduzir rádio dentro do jogo, permitindo que os jogadores escolhessem entre 9 estações curadas, variando de música clássica a trance e pop das paradas. Doze anos depois, a equipe de licenciamento da Rockstar planejava liberar 900 músicas para GTA V — mas teve que se contentar com "meros" 240. Agora, GTA V tem 17 estações de rádio, duas das quais são curadas pessoalmente por Frank Ocean e Flying Lotus — e, com 90 milhões de cópias de GTA V vendidas, essas estações conseguem competir com os broadcasters reais mais proeminentes.

A lista de exemplos poderia continuar. Tony Hawk''s Pro Skater 2, lançado em 2000, desempenhou um papel central na consolidação do som do skate-punk de LA. A série Guitar Hero apresentou cerca de 25 milhões de jogadores a centenas de artistas — enquanto eles se engajavam ativamente com a trilha. Os simuladores de corrida, do infame Need For Speed ao Gran Turismo, geraram bilhões e bilhões de horas de escuta.

O ponto é que os videogames são uma indústria massiva e um enorme canal de descoberta que a indústria musical não pode mais ignorar. A mídia musical agora está de olho na próxima grande colaboração com Fortnite, mas, na verdade, há muito mais oportunidade a ser aproveitada nesse espaço. Seja um projeto indie apaixonado ou um blockbuster triple-A, a música é um componente crucial de quase todos os jogos — e estamos chegando ao ponto em que os profissionais de música finalmente notam essa oportunidade.

IA no Sync Musical

A segunda tendência a se observar é a ascensão da IA na música e como ela impactará o setor de licenciamento. As implicações da música gerada por IA são um tema recorrente no blog da Soundcharts. Então, se você quiser saber mais sobre isso, confira nossa entrevista com Stephen Phillips, CEO do Mawson A.I. lab, responsável por projetos como Popgun, Replica e SUPPERRES.

Quando se trata de sync, não se pode ignorar o potencial da música gerada por IA. Em um futuro próximo, os algoritmos serão capazes de criar música do zero, com pouca orientação humana necessária.

Na verdade, veja o que o Popgun já consegue fazer agora:

Estamos nos aproximando do ponto na história da música em que o público não conseguirá dizer se foi uma pessoa real ou um algoritmo que escreveu a música de fundo de um comercial. De certa forma, é apenas uma questão de tempo até que haja uma plataforma oferecendo músicas geradas por IA por 10 euros cada — e, bem, se o público não consegue notar a diferença, por que as agências de publicidade deveriam pagar mais?

Além disso, os algoritmos generativos serão excelentes no processamento de palavras-chave de gênero e humor — portanto, em vez de buscar uma música que se encaixe no briefing, você pode traduzir seu briefing criativo em um conjunto prático de tags — e obter uma peça original composta, produzida, gravada e masterizada em questão de minutos. Esse tipo de economia de tempo e recursos será uma oferta irrecusável.

A IA não matará a indústria musical — pelo contrário, provavelmente criará uma nova geração de artistas colocando novas ferramentas nas mãos de pessoas criativas ao redor do mundo. A arte e a indústria musical não são apenas sobre como soa — é sobre o que significa e como faz a gente sentir. No entanto, quando se trata de música desvinculada da personalidade do artista, a IA certamente tomará conta — e pode não demorar muito para isso.